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Oh, oh, OH !!! On se calme et on s’assoit, bordel à cul de pompe à merde !!! Ca y est, je me repose quelques jours et c’est le bordel ? Ca va pas le faire, vous le savez… Et toi, arrête de vouloir pendre ton voisin trader : je m’en occuperai personnellement à la fin du cours.

Bon, j’espère que vous avez suivi : avant guerre, un cinéma pas encore vraiment en accord avec l’Histoire, enfin, pas avant « Le dictateur » de Chaplin. Vlan, ça pète, et hop, Rossellini nous pond le chef d’œuvre « Rome, ville ouverte ». Les bases sont posées en Europe, au point que la Nouvelle Vague pense déjà à autre chose. Du coup, c’est du côté des States, et de sa personnalité en crise que va se passer la seconde révolution du 7^ième Art…

Vous l’aurez compris : le Nouvel Hollywood, vent de liberté créatrice démentiel qui a soufflé sur les U.S.A. de 68 à 81, est certainement ce qui s’est fait de mieux dans l’ensemble du 20^ième siècle. Oh, ça n’a pas été une révolution spontanée ( « L’homme qui a tué Liberty Valance » de Ford en 62, Peckinpah ), mais deux films servent de points de repère, deux actes de naissances : « Le lauréat » de Mike Nichols ( mais oui, Dustin Hoffman, « Mrs Robinson » et tout et tout… ) et « Bonnie & Clyde ». Quid de « Easy Rider » ? 1969, les gars, 1969… Alors pourquoi choisir le second au détriment du premier ? C’est parce que s’il y en a bien un des deux qui reflètent le cynisme, la noirceur et surtout le désespoir de cette période noire outre Atlantique, c’est certainement le joyau de Penn…

« Quand on a commencé, j’ai cru que nous irions vraiment quelque part. Mais on ne fait qu’aller. » ( Faye Bonnie Parker Dunaway ).Le Nouvel Hollywood est sorti des cendres du FlowerPower. Et si ce sont les jeunes loups ( Scorsese, De Palma, Hopper… ) qui prendront d’ici peu les rênes, c’est un homme de théâtre, dont le premier film date de 1958 ( « Le gaucher » avec Paul Newman ) qui leur ouvrira symboliquement les portes. Déjà auteur d’un ciné conscient du malaise de son pays ( « La poursuite impitoyable », polar bien noir avec un face à face Marlon Brando / Robert Redford ), armé d’une grosse carrière télé, Penn pond en 67 un coup de poing dans la gueule, une odyssée à la fois touchante et terrifiante, celle d’une serveuse d’un bar paumé dans la cambrousse et d’un voleur de pacotille dans la Grande Dépression des années 30. C’est elle d’ailleurs qui ouvre le film, par le biais photos jaunies qui défilent sur fond de musique sortie de l’ancien temps, alors que les comédiens principaux et le titre passent du blanc au rouge sang. Premier plan : les lèvres rouges écarlates de Bonnie prennent tout l’écran. Juste après : Bonnie, en gros plan, cramponnée aux barreaux de son lit, est une beauté en prison. Dépression, jeunesse sans avenir, même le cadrage est inconfortable. Jusqu’à l’arrivée de Clyde Barrow. Là, comme par enchantement, les plans s’équilibrent, la lumière du jour est belle. Penn sort sa jeune femme de son marasme et lui donne l’espoir d’une autre vie.

Scène culte de l’histoire du cinéma, c’est le final du film, fulgurant de violence, qui est régulièrement cité comme genèse du cinéma à venir. Mais en plus de celle ci, présente dans l’ensemble du métrage, c’est aussi la révolution féminine et bien entendu le regard triste et désespéré d’un artiste sur son pays qui font que « Bonnie & Clyde » est la photographie d’une époque, compréhensible et transposable à la nôtre. Penn ne choisit pas un sujet contemporain ( comme, par exemple, Pakula et ses « Hommes du Président » ), voir d’actualité ( Coppola et « Apocalypse Now » ), il ne film pas nous plus le présent ( « Macadam Cowboy », « Un après midi de chien », et j’en passe… ), il préfére transposer ses peurs et ses craintes dans un ailleurs certes pas si lointain, mais tout de même hors de portée des nouvelles générations ( il remettra d’ailleurs le couvert avec son splendide « Little Bib Man », parabole du Vietnam et, une nouvelle fois, de la crise identitaire  U.S. ). Il ne veut pas d’un film arrêté dans le temps. La crise des années 30 suit elle aussi une période d’insouciance, et comme la guerre du Vietnam, elle coupe la nouvelle génération de son avenir. Bonnie et Clyde rejète cette fatalité : le voleur dit à la serveuse qu’elle aussi a droit à des robes de soie. Et cette accession à une vie méritée se fera par le biais de l’adrénaline, en prenant l’argent à ces satanées banques qui chassent les plus pauvres au profit des plus riches. La violence ? Des incidents de parcours ( « Pourquoi voulait il me tuer ? » se demande Clyde après avoir lui même tué un flic, avant de répéter : « Je ne lui voulais pas de mal, rien de mal… » ).  Plus tard, après ce premier véritable braquage, il l’avertira qu’elle ne connaîtra plus de moments de paix, ce à quoi elle répondra avec un air malicieux : « Tu peux me le promettre ? ». La mort du flic est supportable, tant le braquage est la fuite parfaite de l’atroce réalité du tous les jours. Et dans une certaine mesure, cela fonctionne : même si les palaces rêvés du début ne sont pas au rendez vous, l’argent ne manque pas, ainsi que la gloire médiatique. Penn fraternise avec les laissés pour compte qui veulent prendre les rênes, en fait des icônes de la population paupérisé par les puissants ( les âmes errantes seront d’ailleurs l’unique soutien du gang Barrow ).

Enfin sortie de sa geôle, Bonnie peut enfin vivre. Elle n’existait pas avant Clyde : d’ailleurs, bien qu’elle nous apparaisse pour la première fois chez elle, personne d’autre ne semble habiter là. Le réalisateur ne lui laisse que très peu de temps seule, et son passé nous sera raconté entre deux bouchées de Burgers par un Clyde extrapolant sur la vie morne et sans goût d’une génération entière. Peut être parce qu’elle est plus jeune qu’elle n’y paraît. Comme le dira le père de Moss, « ce ne sont que des gamins ». Qui en ont marre d’être considéré comme tel, surtout à une époque où le passage à la vie d’adulte se fait rapidement, avec violence. Bonnie sera d’un calme arrogant lors de son premier braquage, posera avec mitrailleuse et cigare, en jupe courte montrant ses porte-jarretelles. Penn lui donnera même le sacro-saint pouvoir sexuel au sein de son couple avec Clyde. Mais il ne peut pas la faire femme avant l’âge. Après le braquage « accidentellement » sanglant, alors que Clyde gueule sur Moss dans le refuge d’un cinéma, elle se plonge dans la comédie musicale projetée sur l’écran, image d’une fillette insouciante regardant le rêve d’une époque révolue. Lorsque Buck, le frère de Clyde, rejoint le clan Barrow accompagné de sa femme Blanche, Bonnie commence alors à réaliser deux choses fondamentales : non seulement Clyde a un passé sans elle, une famille, mais elle aussi, quelque part, a une mère. Et la course poursuite continuelle ( lorsqu’un homme demande à Clyde « Où allez vous maintenant ? », celui ci lui répond : « On ne va nul part, on fuit. » ) ramène de plus en plus la jeune femme à sa condition d’enfant loin de sa famille.

Et la chute peut alors commencer, accrochée à cette idée saugrenue qu’on peut se couper de la société et renouer avec elle aussi facilement. Cédant aux demandes incessantes de Bonnie, le gang Barrow l’accompagne voir sa mère. Mais on ne verra pas leur arrivée, comme nous ne verrons pas leur départ. Filmée avec un filtre apportant une coloration jaunie aux images, avec un son étouffé, les retrouvailles sont comme tirées d’un rêve, où tout est centré sur Bonnie, sur le visage de laquelle la caméra traque la moindre réaction, comme elle même semble vouloir tout enregistrer, pour en faire un moment parfait. Tout est faux, des arguments de Clyde pour rassurer sa belle-mère, à la présence de tous ces gens qui semblent n’être que des figurants dans le film mental que la jeune femme est en train de tourner. Et ce sera la mère elle même, alors que Clyde joue au gendre parfait en lui disant que le couple compte bien revenir vivre près d’elle, qui brisera le songe de sa fille : « Essaie de vivre à moins de 5 km de chez moi, et tu ne vivras pas longtemps, chérie… ». Bonnie a fui une prison dorée pour une autre sanglante, et il lui est impossible de faire marche arrière. Même lorsque elle demande à son homme, à la fin de leur parcours chaotique et anarchique, lors de leur dernier moment de paix, ce qu’il ferait s’ils pouvaient  faire table rase et tout recommencer, elle s’aperçoit qu’elle est seule : Clyde parle d’erreur de braquage, de tactique à revoir, alors qu’elle ne rêve plus qu’à la paix…

Tout part donc de là, de cette tentative de retour en arrière : Penn nous parle d’une génération broyée, sans avenir autre que les boulots à la con, et pour qui la violence n’est plus qu’un accident, qu’une sale nécessité. Coupé du monde, sans possibilité de retour ( « C’est ce que t’as dit ta mère ? » demande Clyde à Bonnie en pleine déprime / « Quelle mère ? » répond Bonnie ), le couple Barrow / Parker va être abattu comme des chiens, comme Burke, couvert de sang, blessé à  mort et à 4 pattes lorsque les flics arrivent enfin à l’avoir. Et s’ils n’ont pas droit à un procès équitable, ce n’est pas à cause de leurs forfaits, mais parce qu’ils ont osé se moquer d’un Marshall, qu’ils ont osé l’humilier. Le meurtre mérite un jugement. L’offense à la Loi, à l’Ordre, mérite la mort. Elle leur sera donné dans une séquence finale sèche, tendue à rompre sur plusieurs minutes, qui se terminera dans une explosion de violence sans la moindre complaisance, marquage au fer rouge d’une génération perdue, comme l’a pu être le « Big Shave » de Scorsese.

Bien avant Oliver Stone et son discutable « Tueurs nés », et avant même que les premiers plans de son film ne soient tournés, la polémique enfle autour d’Arthur Penn et de son projet de film glorifiant des hors la loi. Mais ses 10 nominations aux Oscars, son accueil et critique, et public, balayent tout sur leurs passages. Claque il y a eu, coup de poing auquel la jeunesse d’alors s’identifie sur le champs. En l’espace de deux ans, deux films fait avec trois francs six sous enfoncerons le clou, un film d’horreur fauché puis un road movies atypique, deux pieds de nez aux studios malades, incapables de suivre le tempo. « Easy rider » et « La nuit des morts vivants », avec leur moyen ridicule, mais plein d’une véritable passion du cinéma, prouveront qu’il n’y a rien de plus efficace qu’une conscience sociale et politique, et enterrerons le temps d’une quinzaine d’année les visions grandiloquentes des producteurs de l’ancien temps…

Photo prise juste après la mort du couple Barrow / Parker 

Bon… Nous voilà au point critique. 30 ans de travail sur la forme et le fond, de connections de plus en plus approfondi avec le présent, l’histoire et la société. Que reste t il à faire ? Juste à approfondir ce que les grands ont commencé à dévoiler. Il n’y aura plus de Chaplin, de Rossellini, ou de Penn. Mais il y aura leurs élèves, dont quelques uns seront digne de leur maître, et l’irruption de plus en plus fréquente de l’histoire dans des films pourtant dit « de genre ». M’enfin, bon, ce sont surtout les nouveaux chercheurs de formes et de vérité qui nous intéressent… Ouh, fatigué, moi… Allez, vous pouvez partir. Et toi, j’te laisse le trader : il est plus trop frais…

Pourquoi ? Hein ? Pi’ z’êtes ki, vous, hein ? Où suis je ? Et je poserai cette bouteille si je veux. TIRELI PIMPON SUR LE CHIHOUAHOUA !!!! Reste plus que ça pour tenir la route… Le Caca à 40, l’indice de mes deux, tout part à l’eau qui va au veau… Et regardez, demoiselle, j’en ai même loupé 3 dividis… Rien ne va plus… Z’êtes bien belle, vous… Z’êtes sûre qu’on se connaît ? Ca m’aurait marqué…

Et vous, derrière votre écran, vous voulez quoi, hein ? Na, pas de pastis pour vous… Non, j’ai dit ! Pi’ on s’connaît pas non plus. Alors, les dividis ki restent… Ah, en v’là un, tiens, « Bienvenue chez les ch’tis » de Danny Boon. On va pas se taper le résumé d’un film que toute la France a vu au moins trois fois d’affilée, pas vrai ? Gâchons pas trop de mots pour ça… Par contre, ça m’intéresserais vachement de savoir ce qu’ils y trouvent, à ce film. Y a bien Kad Merad, un chouette mec, et Danny Boon forme avec lui un sympathique duo. Mais, sincèrement, 20 371 000 entrées… Ca, meilleur que « La grande vadrouille » ? Va pour le début, pour le caméo de Galabru vraiment hilarant, mais comme c’est chiant ensuite… Et Zoé Felix, comme elle fait cruche ! Nan, désolé, j’peux vraiment pas… C’est comme les « Choristes », ça, des mystères, ou des preuves du niveau 0 du cinéma grand public français. Et du public avec. HOP, au suivant…

Par contre, reconnectons nos neurones le temps du remake de « Funny Games » par son propre géniteur, Michael Haneke. Pourquoi donc refaire un film qui avait traumatisé l’Europe à sa sortie en 1997 ? Parce qu’il laissa froid les States. Trop marqué vieux continent, distribué en version originale sous titrée ( ce que les ricains n’apprécie que très moyennement ), il rata totalement son coche. Et ça, Haneke, ça lui a pas plu, d’autant plus que c’était pour eux qu’il l’avait tourné. Un peu à la manière de Gus Van Sant et son « Psycho », remake au plan près du « Psychose » de Hitchcock, notre allemand transpose le tout chez les bourgeois américains, et donne des visages bien identifiables outre Atlantique, Naomi Watts et Tim Roth. Cette fois, le public se prit la claque qu’il rata à peine plus de 10 ans plus tôt. Mais quel intérêt pour nous ? Toujours aussi efficace, ne nous laissant jamais la moindre plage de tranquillité, « Funny Games US » arrive à faire aussi bien que son grand frère, mais pas mieux pour autant. Il nous offre un duo de comédiens exemplaires, face à des ados terrorisant de calme et de froideur ( Michael Pitt, qui joua dans le « Bully » de Larry Clark, et Brady Corbet, aperçu dans la saison 5 de « 24 », soit deux comédiens là aussi identifiables sur le champ pour nos benêts de ricains… pardon ), et la possibilité de reparler d’une œuvre indispensable sur la violence ( à la différence de truc pompeux et chiants comme « The great ecstasy of Robert Carmichael » ). Que ceux qui ne connaissent pas l’original se jettent dessus à la première occasion, et que les autres tâtent ce remake recommandable sans peine…

Et arrive ENFIN una bomba galactica, un film qui me donne envie de m’en remettre une tournée, le truc qui file la banane pour au moins 24 heures, « Iron Man » de Jon Favreau. Mais d’où sort ce type, hein ? Parce que sur le coup, moi, quand j’ai lu que c’était lui qui allait pondre le premier film des tout frais studios Marvel, j’ai flippé grave… Faut me comprendre, comédien sympathiquement moyen ( le copain avocat de Ben Affleck / Dardevil, c’est lui ), réalisateur qui n’a jamais réussi à me donner envie de voir ses films ( « Elfe » avec Will Farrel, « Zathura » avec Tim Robbins, du lourd j’vous dit ), Favreau me semblait juste bon à nous torcher une purge à la hauteur du nanaresque « Dardevil ». Puis on nous a annoncé que Tony Stark prendrait les traits du génialement génial Robert Downey Jr, et mon cerveau s’est mis en alerte. Et afin de faire fondre mes dernières réticences, il y a eu la bande annonce, et cette icône mortelle d’un Iron Man marchant sur les accords de Black Sabbath avec un char explosant derrière lui… Yha cria mon cœur de Guik’, pour hurler Hourra à la sortie de la salle. Mes enfants, mes amis, mes frères, mes femmes, si vous n’avez pas voulu claquer 10 € à l’époque, mettez y au moins 3 pour la location, pour vous découvrir un nouvel ami, un milliardaire vendeur d’armes qui cherche la rédemption en devenant un super héros. Sorte d’alter ego fun de Batman ( du fric, les nouvelles technologies, mais beaucoup moins de trauma ), Iron Man ne tient presque que sur son interprète principal, un Robert Downey Jr très, TRES en forme, et son armure magnifique que vos yeux éblouis ne se lasseront pas d’admirer. « Iron Man » devrait être remboursé par la Sécu, plus sain que tout les anxiolytiques, plus efficaces que la somme de tous les antidépresseurs…

Et voilà. J’ai décuité, on dirait, moi… Oui, je sais, mon amour, faut plus que je regarde les infos tout seul. Mais la télécommande, le canapé, un vrai piège… Tiens, depuis quand tu bois du Calva, toi ? Hein ? L’Islande est au bord de la faillite ? Le Japon tire la gueule ?!? Paris s’effondre ?!?!?Tiens, va me rincer mon verre, j’te suis… TIRELIPIMPON SUR LE CHIHOUAHOUA…

Une femme a frôlé la mort hier soir. Lorsque j’ai vu les spectateurs sortir leurs appareils photos une fois arrivés dans la salle 6 de l’UGC Forum des Halles, cette blonde pourtant sympathique m’est apparue, alors qu’elle prononçait cette phrase : « Non, vous ne pourrez pas apporter d’appareils photos, non… Puis Guillermo del Toro ne sera là que quelques minutes, alors… Je le sais, j’y serai ! ». Ce fut elle qui occupa mes pensées alors que nous attendions tous fébrilement l’arrivée du réalisateur-juste-derrière-Peter-Jackson-dans-mon-cœur. Parce qu’à cause d’elle ( et de ma connerie, je le conçois ), vous n’aurez pas les photos de l’avant première. Mais je vous jure que j’y étais. J’Y ETAIS.

Et l’explosion fut énorme, tandis qu’un M. Loyal quelconque retraçait la carrière du plus beau des gros, et que celui ci se tenait dans l’ombre. « Va falloir faire le silence, si vous voulez que M. Del Toro se joigne à nous… ». Instantanément, tout le monde se tait, sans pour autant écouter le récit de sa filmographie que tous, dans la salle, nous connaissions par cœur ( le succès cannois de « Cronos », son premier film, la douloureuse expérience des studios avec « Mimic », son premier film perso « L’échine du Diable », la prise de pouvoir avec « Balde II », la confirmation de « Hellboy », et la consécration du « Labyrinthe de Pan » ). Non, nous, on regardait le monsieur en noir, là, dans le coin de la salle, on voulait voir le type qui nous a filé tant de bonheur de geek durant toute sa carrière. Et enfin, ENFIN, l’entrée dans la lumière, l’ovation, le sourire qui dessine une bien belle banane d’une oreille à l’autre, sur son visage comme sur le notre. Son speech ? Rien de bien nouveau, juste ce qu’il répète à chaque fois qu’il parle de Hellboy, que c’est le personnage le plus proche de sa petite personne, que, malgré les budgets conséquents, les deux films restent pour lui des œuvres personnelles. Quelques minutes de bonheur vraiment partagées, et puis parti M. Del Toro, sans que je puisse éterniser le moment, sans pouvoir vous filer un petit cadeau. Mais il aurait fallu que je le suive. Il aurait fallu que je quitte la salle derrière lui. Parce que ce qui allait suivre, sans être honteux, allait me ramener sur Terre.

Hellboy et Liz sont ensemble. Mais c’est pas à proprement parlé le grand bonheur. Puis Hellboy, il veut toujours faire partie du monde, ne plus se cacher des hommes. Puis Abe est toujours là, et Hamming a pris la tête du BDRP. Et un elfe, qui en a marre de voir son peuple enfoui sous Terre, vivre dans les égouts, alors qu’il est vingt fois plus puissant que le notre, se met en tête de prendre le pouvoir de l’Armée d’Or, 70 fois 70 soldats indestructibles…

Dur, pas vrai ? Oh, pas l’histoire, elle recèle de plein de possibilité, non, son traitement. Car dans l’ensemble, ce ton niais d’histoire de gosse mal dégrossi, c’est celui qui nous reste coincé dans la gorge à la sortie de la séance. Et pourtant je l’aime, le Del Toro. Pas un de ces films ne m’a déçu jusqu’ici. Un inconditionnel, je vous dis. Mais qui dit « Hellboy II », dit comparaison avec le « HB I ». Impossible de faire autrement. Et c’est fou de voir tout ce que Del Toro n’a pas réussi à réitérer.  

Quel est donc le pire ? Le manque d’équilibre entre humour potache et drame ? Ou le fait de LOUPER la partie dramatique ? Dans le premier, la mort de Trevor Bruttenholm, l’amour impossible entre Hellboy et Liz, la mort puis la résurrection de cette dernière, chaque passage grave avait la puissance nécessaire pour nous tenir en haleine, nous faire verser une p’tite larme. Et l’humour, certes pas des plus finauds, n’en demeurait pas moins suffisamment dilué dans le script pour nous rappeler que la première inspiration du réalisateur, c’était peut être du côté de Spielberg et des « Aventuriers de l’Arche perdue » qu’il fallait aller la chercher ( la scène d’intro de HB I en était d’ailleurs un sacré hommage ). Or, dans le deux, la mayonnaise ne prend pas : Del Toro oublie de nous replonger dans l’ambiance, il nous projette dans les bureaux du BDRP avec d’emblée un pauvre gag sur l’appétit gargantuesque de son héros. Là où la relation Liz / Hellboy était un vrai moteur dans le 1^er, elle devient dans le 2^nd une banale histoire de couple un brin bancal. Et pire, Del Toro a même oublier ce qui avait été la grande réussite non seulement de son premier tome, mais aussi de « Blade II » : la difficulté d’être un monstre dans un monde bâti sur l’uniformité. Là, ça devient inquiétant : la filiation avec son Blade est évidente, le méchant du jour, le prince Nuada, est l’alter ego de Jared Nomak, le vampire bâtard voulant prendre le pouvoir sur son peuple. Il va même jusqu’à prendre le même comédien, Luke Goss ! Mais jamais il ne sème le doute dans l’esprit de Red / Ron Perlman. Les thèmes de la filiation ou de l’appartenance à une race sont tout bêtement bâclés. Et en plus de reprendre et le même type de méchant, et son interprète, la Mort semble sortie du « Labyrinth de Pan »… Guillermo Del Toro commence à se recycler, se répéter, il loupe l’arrivée dans la bande de Johann Kross ( aberrant de le voir passer du chef psychorigide au pote trop cool ), tout comme il loupe l’explication du départ de John Myers ( deux pauvres répliques pour un personnage central du tome 1, ça fait mal… ).

Oh, il nous reste tout de même de quoi mettre cet épisode là au dessus de la moyenne ( la séquence pré-générique, celle où Hellboy et Abe se bourrent la gueule, le combat final ), et d’autres détails plutôt négatif ( qui a donc choisi ce gosse tête-à-claque pour faire Hellboy jeune ?!? ) qui sont eux, plus pardonnable, mais pour tous ceux qui ont suivi la carrière de ce fanboy absolu, « Hellboy II » restera comme le premier loupé d’une filmographie quasi parfaite. Et dire que je peux même pas vous consoler avec des photos qui le font. La vie, parfois, la vie…

C’est bon, z’êtes installés ? Bbbiieeennn… Alors, la dernière fois, on a rapidement parlé de Chaplin et de son « Dictateur », voui… Mussolini et les studios de Cinecittà, voilà… Et ? Et pis c’est tout. Ok. DONC, on retourne plus de 60 ans en arrière, dans les ruines de Rome…

Dès les premières images de « Rome, ville ouverte », Rosselini est obligé de mettre les choses au point : les faits relatés durant les 1 h 40 du métrage sont inspirés de faits réels, mais ne sont pas la réalité. Faut pas oublier que la Guerre est toute fraîche, et qu’il n’est pas si simple d’en parler… En même temps, le film colle tellement aux faits qu’il en est presque un documentaire. Le personnage de Pina est un hommage direct à Teresa Gullace, une Romaine, dont le meurtre par les allemands eut un retentissement énorme en Italie, et celui de Manfredi est presque un copié-collé du partisan Cesare Negarville. D’ailleurs, avant de faire le choix de la fiction, Rosselini pensa faire un doc sur le prêtre Don Giuseppe Morosini ( cf le personnage de Don Pietro ), ou sur les enfants entrés en Résistance ( d’où le rôle crucial des mômes dans « Rome, ville ouverte » ).  Du coup, lorsque le film sortit, on parla d’ « actualité immédiatement reconstituée ». Le cinéaste est engagé, son film est un splendide réquisitoire contre le nazisme, et pourtant…

Pourtant, Rossellini a un passé ambigu : ami de Vittorio Mussolini, premier film ( « Le navire blanc » 1941 ) parrainé par le centre audiovisuel de propagande de la marine italienne, il en réalisa par la suite deux autres qui forment en tout ce que certains appèlent sa Trilogie Fasciste ( avec « Un pilote revient » 1942, et « L’Homme à la croix », 1943 ). Mais impossible de mettre en doute l’honnêteté de sa démarche à la vue du résultat final. D’ailleurs, le premier plan est là pour lever toutes interprétations possible : de nuit, sur fond de ruines, une patrouille nazie traverse le cadre au son d’un air martial sifflet avec entrain. Aucune fioriture de mise en scène, et décors réels d’une Rome détruite : le coupable est clairement identifié, rejoint plus tard par les miliciens, les Chemises Noires… Alors quoi ? Que de lacunes, mes ami(e)s, que peut être vous pouvez m’aider à combler… M’enfin, bon, retour à l’essentiel, retour au film…

Rome, hiver 1944. Un ingénieur communiste, Giorgio Manfredi, tente d'échapper aux Allemands qui occupent la ville. Il se réfugie chez un ami, Francesco, dont la fiancée, Pina, le met en contact avec le curé de la paroisse Don Pietro. Les trois personnages principaux, Manfredi le résistant, Pina la femme forte et Don Pietro l’ecclésiastique, permettent au cinéaste de toucher les pierres angulaires de la Résistance Italienne au nazisme : Manfredi est membre dirigeant du Comité de Libération Nationale, Don Pietro représente la Démocratie Chrétienne ( elle même membre du CLN ), et bien entendu la femme romaine, Pina, la matronne gardienne du foyer. Manque à l’appel la jeunesse italienne, pas celle des milices fascistes, mais ces enfants de la résistance, ces gosses quasiment nés dans la violence.

Rossellini a donc ses trois grands groupes bien visibles ( les hommes de la Résistance, les femmes et les enfants ), et passera l’ensemble du film à les faire s’interférer, et combattre l’Ennemi, qu’il soit Nazi ou Fasciste. L’amour de Pina pour Francesco provoquera sa perte, alors que celui de Marina la poussera à la délation. L’acte de Résistance des enfants contre les réservoirs d’essence provoquera la rafle ( donc la mort de Francesco ), mais c’est le don de l’écharpe par le petit Marcello qui le retardera, donc lui sauvera la vie. Tout s’entremêle, chaque pouvant à n’importe quel moment être le salut ou la chute de l’autre. Et chaque mort, chaque meurtre, alimente un désir de vengeance immense. Ce sera à Hartmann, officier allemand au regard bien trop lucide pour le Sturmbahnfuhrer, de le verbaliser :

 -          Nous ne savons que tuer, couvrant l’Europe de cadavres. Et, de ces tombes, naît la haine, la haine, partout la haine ! Nous serons anéanti par la haine…

A ce ton définitivement ancré dans le présent de l’Histoire ( c’est clair ? J’sais plus trop, là… ), le cinéaste va apporter la forme qui lui convient le mieux. Entre obligation ( l’Italie n’a presque plus de techniciens ou de comédiens ) et volonté narrative, le réalisateur monte son casting presque uniquement avec des acteurs non professionnels ( la splendide Anna Magnani n’avait alors tourné qu’un seul film ), voire des quidams trouvaient dans la rue, et se sert au maximum de la lumière naturelle et de matériel de prise de vue léger, facilement transportable d’un décors à l’autre. La totalité des séquences de rues sont du coup tournées caméra à l’épaule, dont celle, entrée dans la légende, de la mort de Pina. Ou ce plan magnifique des enfants descendant une petite colline, éclairés par les flammes de l’explosion des réservoirs d’essence. Rossellini filme vite mais bien, achetant sa pellicule aux soldats américains qu’il croise, vendant tout ses biens pour pouvoir terminer son œuvre.

Lorsque « Rome, ville ouverte » sort, le succès est immédiat, et le film remporte le Grand Prix du Festival de Cannes en 1946. Il est le représentant d’un réalité que d’autres cinéastes avaient abordé soit avant ( « Espoir » d’André Malraux, plus proche du montage d’images de reportage, filmé en 1939 mais présenté en 1945 ), soit quasiment en même temps ( « La bataille du rail » de René Clément ) que Rossellini. Il est surtout une date dans l’Histoire du cinéma, un repère dans sa chronologie, d’où partent les révolutions à venir…

Whouaa, ça, c’est de la fin… Bon, allez, la prochaine fois, on s’apercevra comment le petit écran et deux films amateurs vont chambouler tout ça, et donner naissance au Nouvel Hollywood… Vous vous languissez, pas vrai ? Ah, ça fait plaisir… Ah, j’allais oublier : chose promise chose due, le bon point des Demoiselles ! Et soyez sages en sortant !

Ma clef pour la richesse, ma belle, pour le fric à profusion ! Depuis que St Jean m’est apparu, chevauchant son destrier moderne, je SAIS que la fortune est proche ! Car j’ai calculé : juste en niquant 10 voitures par jour avec délit de fuite, et même en rien foutant du week end, je peux me palper 56 000 € en 1 mois ! Non, ne pleure pas chérie, ne pleure pas…

Mais en attendant d’avoir pu accumuler assez d’oseille pour qu’on puisse se dorer la rondelle aux Bahamas, je vais rester humble, et mettre à votre service mon forfait Internet pour parlotter de films qui sortent en DVD, et qui, dans les grandes largeurs, sont assez chiants ce mois ci. En fait, non : octobre frôle la bérézina.  Parce qu’à moins de rêver regarder sur votre Home Cinéma Liane Foly, ou vouloir lobotomiser votre gosse avec « Barbie et le plaisir de Diamant » ( ceux qui auront compris le titre peuvent m’écrire, j’mourrai moins con… ), y a vraiment pas grand chose à se mettre sous la dent… Car qu’attendre de « Crimes à Oxford » de Alex de la Iglesia ? Bien entendu, étant connecté mentalement avec les forces de l’univers, je vous ai très récemment parlé de ce premier véritable échec artistique du Poto del Geekos del Mondo… C’est sûr que c’était pas facile de rempiler après le gargantuesquement génial « Crime Farpait », mais le véritable problème n’est pas vraiment là : posons nous plutôt la question de tous ces réalisateurs qui, après un début de carrière indépendante prometteuse ( voire rêvée dans le cas présent ), finissent par pondre des trucs peut être regardables, mais franchement en deçà de leurs précédentes productions. Film assez convenu avec un casting certes brillant ( Elijah Wood, John Hurt ) et une intrigue flirtant avec Agatha Christie, « Crime à Oxford » n’est vraiment pas le film à se caler pour découvrir ce grand ( gros ? ) monsieur du ciné ibérique…

Que penser aussi de ce « 3h10 pour Yuma », que j’ai pas vu ? Ben que je l’ai pas vu. On va donc se la jouer style « il est pas encore sorti… » et pondre un truc sur ce que ce western peut bien être ( heureusement que vous payez pas d’abonnement pour accéder à ces lignes… ). Alors, on a un film d’origine, éponyme, sorti en 1957 et réalisé par Delmer Daves, et que j’ai pas vu non plus. On a un réalisateur, James Mangold, qui fut un des rares mecs qui me donna envie de balancer mon fauteuil dans l’écran, tellement il m’avait pris pour un con avec son « Identity » ultra-efficace, mais ultra-facile. MAIS il m’a donné aussi une belle gaule avec son « Copland », LE film de Sly, et la splendide biographie de notre héros à tous, même ceux qui le savent pas, « Walk the line » sur l’homme en noir Johnny Cash. On a 3 comédiens qui tuent littéralement, à savoir Christian « Capcrusader » Bale, Russel « Maximus » Crowe et Peter « Captain America » Fonda. On a aussi comme chef op’ une blague sur patte, Phedon Papamichael, mais qui au delà de ce nom qui tue une vie sociale en 3 – 2, est un sacré gars niveau lumière ( il bosse sur quasi tous les films de Mangold ). Enfin, on a un livre avant d’être un film, écrit par Elmore Leonard, dont les romans furent maintes et maintes fois adaptés à l’écran ( « Jackie Brown », c’était de lui, « Hors d’atteinte » de Soderbergh aussi, tout comme le sympathiquement raté « Get Shorty » ). Débrouillez vous avec tout ça… Hein ? Ah, merde, l’histoire : Dan Evans ( Christian Bale ), blessé lors de la guerre de sécession, survit dans un ranch en pleine sécheresse. Afin de pouvoir se refaire, il accepte une prime pour convoyer le célèbre bandit Ben Wade ( Russel Crowe ) à un train en direction de Yuma…

Que dire des deux désillusions de l’année 2008 ? A savoir le « [Rec] » du pourtant génial Jaume Balaguero, et « Doomsday » du pourtant prometteur Neil Marshall… Le premier est simplement le fer de lance de l’horreur ibérique, un mec qui, de « Fragile » à « Darkness » en passant par le culte « La secte sans nom », n’a quasiment pondu que des bandes de trouilles qui le font. Mais ce coup ci, il a beau s’associer à Paco Plaza, valeur montante de l’autre côté des Pyrénées, rien n’y fait. Son dernier film, voulu comme une expérience immersive, n’est qu’une accumulation de scènes soit chiantes, soit hystériques. Filmé façon « Blair Witch » ( ce qui veut dire avec un gros problème de lisibilité de l’action ), son histoire d’une équipe de télé espagnole suivant des pompiers qui se retrouvent bloqués dans un immeuble avec des gens pas beaux qui bouffent tout ce qui leur passe sous la main est plus irritante que stressante… Quant au second, réalisateur du traumatisant « The Descent », et du fort sympathique « Dog Soldiers », c’est simplement un série Z italienne ( époque sous « Mad Max » ) avec pleins de sous dedans. Rhona Mitra, aussi belle soit elle, est pas franchement crédible en Snake Plissken ( « New York 1997 », ça vous dit ? ), et le final ( après une looonnngguuueee traversée du désert ) est simplement grotesque. Bon, c’est vrai, je suis assez dur avec les deux, mais merde, c’est pas n’importe qui ces gus ! Et comparés à leurs précédents efforts, y a pas de doute, ce sont deux bouses.

Enfin, arrive la vague des trucs pour mioche, et là, que dire de ce « A la croisée des Mondes » de Chris Weitz ? Que lui, je l’ai vu. Non, j’ai pas honte. Je dirai même plus, j’ai lu les bouquins de Philip Pullman, la trilogie des « Royaumes du Nord ». Et croyez moi, c’est pas des livres à mettre entre les mains de tous les gosses… Encore trop tôt pour dire ce qu’en fera le réalisateur lors des 2 prochains tomes, mais les livres sont tout de même de sacrées charges contre la religion catholique, avec en prime une approche frontale de la mort à faire réfléchir même les adultes. En gros, c’est pas du Harry Poté. Le film, par contre, est tout de même en deçà ( comme d’habitude ) du matériau d’origine. Plaisant sur sa totalité ( en grande partie grâce à la présence au générique de Nicole Kidman, Daniel Craig, Sam Elliot et Kristin Scott Thomas ), Weitz réussi un petit film pour gosse avec de grand moyen. Pas de quoi en pondre trois pages… Tout comme « L’île de Nim » de Jennifer Flackett et Mark Levin, le film à l’affiche qui fit halluciner tout ceux qui la croisèrent du regard. J’étais persuadé que c’était pour le prochain Mocky ( ou Caro, j’sais plus ). Pur produit formaté sans la moindre demande d’implication du spectateur ( assis toi, bouffe ton pop corn, et SURTOUT, cours acheter le sac avec la trogne de l’héroïne insupportable ), il passe comme un paquet de fraise tagada : c’est bon au début, écœurant à la fin, et ça ramollit le cerveau. Torchons ce trio infernal par un DTV ( enfin, je crois ), qui ose carrément le titre de « L’apprenti Sorcier » et l’affiche sur fond bleu et tout et tout, nous balançant un Merlin au visage bouffi par le latex, une guerre entre sorcier et un mioche qui se retrouve au milieu. Voilà, c’est fini. J’vais me faire un pastis et bouffer un paquet de k’ouètes, tant de sucreries, ça me retourne le bide…

Bref, un mois d’octobre qui s’annonce bien pourrave. Alors risque fort de ne pas y avoir de nouveaux posts sur le thème. Vous me direz, avec 22 films à voir en salle, c’est pas plus mal… Puis ça laisse du temps pour que chacun de notre côté, nous puissions prier St Jean. Et que plus jamais, oh grand jamais, le Mal du pouvoir d’achat ne s’abatte sur nous…