Vous faisiez quoi, vous, à 06 h 38 hier matin ? Moi, perso, je regardais des légumes la bouche ouverte, en bavant sensuellement sur mon écharppe. Dodo pour ma louve, pour
pas mal d’entre nous. Bloody Dan devait peut être ouvrir un œil, tout comme Fred. Je suis prêt à parier que notre Poetic Gladiator devait écrire mentalement un de ses géniaux pamphlets, tout en
se blotissant sur sa charmante femme Gracia. Lola Sponge avait elle réussi à fermer l’œil cette nuit là ? Coco la Mouche, elle, certainement !
Mais j’en connais deux, de beaux spécimens d’êtres humains, qui n’ont pas dû fermer l’œil de la nuit. 16ames, le palpitant à 1000 à l’heure, devait certainement faire ses pas perdus autour de sa Marianne de louve. Jusqu’à 06h38. Jusqu’à ce que l’ange Antonin pointe le petit bout de son petit nez. Alors que Wolf Tone, lui, ne se doutait de rien…
Wolf Tone, il a plein de choses à faire. Il doit apprendre à bosser avec des d’jeuns, il doit prendre le pouls de gosses avant qu’ils ne partent totalement dans la crevasse de la fracture
sociale. Il doit se préparer à retourner sur les bancs de l’école. Il doit continuer à ce coltiner des levés à 04h50 pour torcher des bananes. Et surtout, il doit garder contact avec ses Dan,
Fred, Hélène, Lolo ( qu’il soit en Essonne ou à Marseille ), Stl, et j’en oublie… Tout comme il doit prouver, chaque jour, qu’il n’a pas choisi sa louve pour rien, qu’il l’a fait pour que le pire
ait toujours la gueule du meilleur. Mais ça, c’est vraiment pas compliqué…
Il ne peut donc plus, et ce depuis quelques semaines déjà, vous offrir en pâture ses délires graphiques, vous l’aurez remarqué.
Alors, oui, c’est vrai, 2009 ne sera pas l’année de Wolf Tone. Elle devient l’an 1 d’un nouveau Alain. Et quelque part, il y a un Dieu, un truc, un ange, un bidule, qui a fait que 2009 soit l’an 1 d’un nouveau 16ames, d’une nouvelle Marianne. Quoi de plus normal alors que la fin de ce blog naisse de l’arrivée d’Antonin sur notre bonne vielle Terre ? Faisons lui une très grande place, mes amis, mes frères, mes sœurs, faisons lui toute la place qu’il mérite dans notre univers. Qu’il soit entouré d’êtres humains, qu’il soit accueilli comme il se doit. Il a déjà un énorme atout, le p’tit, des parents épatants. Et, si ces derniers le veuillent bien, il aura un vieux loup tout illuminé par son arrivée, qu’il pourra appeler « Frère Georges ».
J’aurais pu vous parler de John Fante, le plus grand écrivain américain de l’univers, de Cimino et son chef d’œuvre « Voyage au bout de l’enfer », le plus grand film de l’univers, de
New Model Army, le plus grand groupe de l’univers. J’aurais pu écrire un truc rigolo, plein de conneries, en guise de texte d’adieu. Mais j’crois bien que le petit Antonin est le plus beau coup
d’envoi de ma renaissance que la vie pouvait m’offrir.
So adios, good by, Auf Wiedersien ( ? ), à ton étoile, à ciao bon dimanche. Et ne croyez pas la météo : en ce moment, sur Nation, à Paris, il y a un putain de Soleil qui brille. D’ici peu, il se déplacera doucement vers Paris 11.
Au plaisir de vous lire, écouter, rire, danser, veuillez agréer, mes frères, mes sœurs, l’expression de ma reconnaissance éternelle ! Et si on vient vous questionner pour savoir où il est passé, ce con de loup, merci de répondre « Demande à la poussière » !
Wolf Tone
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Non, je
ne ferai pas mon coming-out. Non, vous ne me ferez pas dire que je suis un zomosexuel. Même si je déclare une nouvelle fois ma flamme à un homme, même deux, NON, je n’en suis pas… et pourtant.
Car, tout comme j’aime Clint Eastwood, j’aime James Gray. Et j’aime aussi Joaquin Phenix. 
quittant l’écrin des drames qu’il surlignait jusqu’à présent. Retrouver la lumière naturelle
pour un cinéaste qui préparait ses ambiances comme un peintre réfléchit l’exposition de son œuvre ( à savoir en jeu d’ombre et de lumière, en profondeur, en chaleur ), c’est risquer de perdre un
peu de la magnificence que ses plans, dans ses films précédents, parvenaient à atteindre. Premier soulagement : Gray n’a strictement rien perdu de son pouvoir d’enchantement. Mieux, en
tournant beaucoup plus en extérieur, Gray coupe l’herbe sous les pieds à ses détracteurs qui ne voyaient en lui qu’un artiste maniéré, voire surfait. Car en limitant le nombre de ses
plans-peintures, le réalisateur multiplie la puissance des rares qui traversent le film : premier plan superbe de Joaquin Phenix marchant, hagard, sur une jetée, avant une nouvelle tentative
de suicide ; gros plan du coup de poignard qui prend la forme d’une caresse de la main d’Elias Koteas sur le visage de Gwyneth Paltrow ; l’arrivée de la même Gwyneth dans un couloir
sombre, au ralenti, sans que ses pas ne se fassent entendre ; et encore elle, sous l’étreinte de Joaquin Phenix, lançant un regard caméra qui nous scotch au siège, tant il est chargé de
solitude, de tristesse. Gray égraine son film de fulgurances qui gagnent, de part leur nombre limité, un sens encore plus fort. Comme un certain Clint dans son dernier film…
L’autre
crainte légitime du spectateur est de ne pas retrouver dans cette histoire de triangle amoureux ( Joaquin Phenix / Leonard Kraditor, jeune juif dépressif promis à la belle Vinessa Shaw / Sandra,
tombe complètement sous le charme de la belle et libre Gwyneth Paltrow / Michelle ) la puissance tragique de ces trois précédents chefs d’œuvre. Là, le débat reste ouvert : doit on attendre
d’un cinéaste qu’il répète ad vitam aeternam la recette de ses succès ? Le plus important n’est il pas que l’artiste garde son empreinte, son identité, et ce quelque soit le genre auquel il
se frotte ? James Gray a toujours les mêmes obsessions : le libre arbitre, le poids des communautés, la solitude de l’instant du choix. La fusion des teintureries de son père avec celle
de son futur beau-père est une réussite qu’il ne doit pas foutre en l’air. Et même si Michelle est une promise de rêve, Leonard, cet espèce de mort vivant qui survit depuis sa séparation d’avec
son ancienne fiancée, aspire à la liberté, à la passion que représente Michelle. De la même manière que le Joaquin Phenix / Bobby Green de « We hold the night » fuyait le carcan
policier de sa famille, Leonard ne peut pas renaître s’il reste dans celui de sa communauté juive. Il devra prendre cette décision seul, s’inscrivant dans la lignée des personnages de la
filmographie de Gray, Bobby Green, mais aussi Mark Wahlberg / Leo Handler de « The Yards », ou Tim Roth / Joshua Shapira dans « Little Odessa », prouvant que ce prodige du
cinéma américain garde une cohérence à toute épreuve dans son travail.
blonde et écorchée Gwyneth Paltrow, et la brune équilibrée Vinessa Shaw, se trouve peut être la plus
importante de toutes, la mère, campée par Isabella Rosselini, alors que le père est joué par Moni Moshonov, déjà père de substitution du même Joaquin Phenix dans « We hold the night »
), une place toujours aussi importante réservée à la musique ( l’opéra, mais aussi une séquence en boîte de nuit qui en plus de faire écho au night club de son précédent film, rappelle, la
gaucherie de Leonard en plus, les pirouettes de Travolta ), c’est sans la moindre difficulté que « Two lovers » s’intègre à une carrière sans faute, un parcours de prodige. A croire que
James Gray pourrait faire un film de science-fiction ou d’épouvante qu’il garderait intact son âme. Comme un certain Stanley… Prochaine étape : une biopic de l’explorateur britannique Percy
Harrison Fawcett, avec Brad Pitt en tête d’affiche. Et ma main à couper que Wolf Tone aura alors l’occasion de prouver qu’il n’a jamais tort.
J’ai encore grandi aujourd’hui. Oui, Wolf Tone a dit « NON ! » à ses craintes, ses peurs,
ses tourments… Je suis allé voir « L’échange » au cinéma. Vouais. Une vraie prise de risque. Parce que j’ai du mal à aller voir des films qui vont me torturer. Et le Grand Clint, il
arrive toujours à me faire chialer. Je me cale en DVD « Mystic River », et vlan, je me dit que je suis trop con de pas l’avoir vu en salle. « Million Dollars Baby » sort, je
vais le voir au ciné, et re-vlan, il me fout un genou à terre. Alors aller voir sa dernière œuvre, avec la crève, 4 heures de sommeil dans la gueule et une plutôt bonne humeur, on peut pas dire
que ça va de soit. Et re-re-vlan, Monsieur Eastwood m’étale d’un crochet, j’suis ailleurs, faut qu’j’en parle…
croire à quoique ce soit, parce qu’il sait que l’histoire vraie de Christine Collins est suffisamment
forte pour qu’il n’ait pas besoin d’artifice, ni scénaristique, ni de mise en scène. « L’échange » est un classique, filmé de manière classique, et appeler à devenir un classique. Dès
les premières notes de musique, lors d’un grand panoramique en noir et blanc du Los Angeles des années 30, le réalisateur avoue ses ambitions : il va nous raconter un drame. Et ces notes
tristes ne suggèrent rien de bon : ce sera dur, ce sera long, mais ce sera surtout beau. Aucun effet superflu ne viendra casser se parti-pris. Bien au contraire, ce thème splendide du maître
lui même a le rythme de sa mise en scène : calme, fluide, faite de travelling, de panoramique et de champ / contrechamp qui ne veulent rien faire d’autre que raconter, que se mettre au
service d’un scénario qui prend son temps.
Mais cela
ne veut pas dire qu’Eastwood est figé dans une sorte d’académisme. Des fulgurances nous rappellent qu’il est un homme de cinéma de son temps. Cette douche au jet dans un hôpital psychiatrique
filmé caméra à l’épaule, le tourbillon des questions des journalistes lancés à Christine et ce faux-fils, où cette même caméra portée se mélange à un travelling autour du duo improbable, ou alors
ce long plan fixe sur Christine qui craque, pleure et crie à cet étranger : « Tu n’es pas mon fils ! ». Des moments qui doivent être filmés différemment, parce qu’ils sont des
moments majeurs, des instants de rupture. Là où certains verraient un cinéma d’une autre époque, je vois un cinéma éternel. Et pour lever tout les doutes, il y a cette pendaison finale. Clint
Eastwood l’exprime d’ailleurs clairement en interview : le pathétique de cette exécution est la réplique exacte de celle qui eu lieu à l’époque. Sans musique, sans effet, juste
l’accélération des plans à l’instant T de la mise à mort. Un regard sur la violence qui fait écho au roman de Truman Capote, « De sang froid » : l’absence de style est un style en
soit, et lorsqu’il est utilisé à bon escient, il est glacial.
Et arrive la seule véritable révélation du film : Angelina Jolie. Christine Collins pour
la comédienne, c’est le rôle d’Aileen dans « Monster » pour Charlize Theron. Plus jamais vous ne verrez la Lara Croft live de la même manière. Si effectivement les larmes ont une sale
tendance à se pointer, si on a envie de se lever pour gueuler contre tant d’injustices, c’est grâce à elle. J’sais pas, j’ai beau me triturer les méninges, je ne vois pas un seul film dans la
carrière de Mme Pitt qui ne soit à la hauteur de ne serait
Bref,
vous l’aurez compris, « L’échange » est une pièce d’art que Clint Eastwood rajoute à une filmographie déjà impressionnante. Et là, l’air de rien, on repense au boursouflé Festival de
Cannes, dans son édition 2008. Cette année, Sean Penn décida avec son jury de donner la Palme d’Or au truc mal fagoté qu’est « Entre les murs ». Au delà de mon rejet viscéral du truc de
Cantet, il est impossible d’arriver de mettre sur un pied d’égalité les deux films. Et le problème va plus loin : l’Ours d’Or de Berlin de cet année fut attribué à « Troupe
d’élite », alors qu’un autre futur classique, le « There will be blood » de Paul Thomas Anderson, repartit bredouille. Alors quoi ? « 4 mois, 3 semaines, 2 jours »
qui cloue sur place le « No country for Old Men » des frères Coen, tout ça, ça veut dire quoi ? Peut être que Michel Ciment de Positif, dans son édito du numéro de
Novembre, a raison : ces 3 films couronnés partagent le même positionnement social, le même rejet du classicisme pour un certain réalisme. Comme si les grands festivals voulaient se laver la
conscience, dans une démarche boboïsante, pour étaler aux yeux du Monde non pas une leçon de cinéma, mais un grand moment de culpabilité. Maintenant, filmer bien, filmer beau ( James Gray fut
aussi un des grands oubliés de Cannes cuvée
2008, tout comme le « Hunger » de Steve McQueen fut écarté de la compétition, alors que les échos en font LA révélation ciné de 2008 ) ne fait plus le poids face au filmer vrai, filmer
cru ( quitte à être particulièrement ambigu dans sa morale, pour « Troupe d’élite », voir à ne pas faire du tout l’unanimité, pour « Entre les murs » ). C’est has been, c’est
un truc de vieux. 
Un serveur alcoolique dans des bars miteux ne gère plus du tout son gosse depuis le départ de sa
femme. Lorsque son fils pète un plomb et lui gueule dessus en le traitant… d’alcoolique, il décide de se reprendre en main et de reprendre son ancien boulot, celui qui avait fait sa gloire :
magicien.
Alors Wolf Tone vous le dit tout de go sans détour : rester chez vous, planquez vous sous vos couettes devant votre écran télé LCD – HD – Ultra plat et matez
vous « A bord du Darjeeling Limited » de l’eeexxccceelleennt Wes Anderson. Et puis tient, matez vous en fait tous ces autres films, de « La vie aquatique » à « La famille
Tenenbaum » en passant par « Rushmore », c’est un conseil de votre ami à vous tout seul, pour passer les froides et grises soirées d’automne avec un film – bol de chocolat, un film
qui file la patate et réchauffe vos petits corps meurtris. Son petit dernier en date est un pure moment de décalage, de poésie, de burlesque. Suivre ses trois frangins ( géniaux Adrien Brody,
Owen Wilson et Jason Schwarttzman ) dans leur voyage initiatique à travers l’Inde, c’est du bonheur en boîte, des rires et de la tendresse, ma foi, que dire de plus, hein ? J’teste votre
confiance : calez vous ces petits bijoux, et prouvez moi votre obéissance aveugle, vous ne serez pas déçu…
J’veux du sang, de la tripaille. J’veux que ça pète, que ce soit tendu du slibard. J’VEUX M’EN PRENDRE
PLEIN LA GUEULE !!!! Ahhh, ça fait du bien… Non, c’est vrai, c’est vachement bien « Dernier maquis », « The Visitor » et tutti quanti, mais ça nourrit pas un homme, ça…
Un homme, un vrai mec comme moi, ça a besoin de la sueur des guerriers, de marcels trempés par des litres de sang, allez, à la limite, d’une bonne barre de rire, avec ou sans cerveau, m’en fous,
J’VEUX PRENDRE MON PIED !!!
enfant soldat de Sierra Leone,
« Hot Video » pour un ado pré pubère… Alors j’me force à utiliser mon cerveau. Là, vendredi, j’me suis fait « Les bureaux de Dieu » de Claire Simon. Et ben oui, l’air de rien,
même si mon instinct viril pouvait continuer de mourir à petit feu ( la vie quotidienne d’un planning familial, c’est pas très punchy… ), mon cerveau, lui, en a eu pour son argent. Il fait le
fier, là haut, caché dans ma boîte crânienne, il en peut plus de joie. Puis ma fierté de cultureux français put se redorer la pilule ( whoua, l’humour… ) à la vue de tous. Encore un film social
qui fait du bien… Comme Ameur-Zaimeche, Simon filme simplement, ne prend pas parti, ne fait preuve ni de jugement hâtif ou de manichéisme. Casting 4 étoiles ( Nicole Garcia, Nathalie Baye,
Béatrice Dalle, Isabelle Carré, puis aussi Marie Laforêt, Rachida Brakni, j’vous dis, que du bon ), mis en scène à la fois effacé et palpable, « Les bureaux de Dieu » nous rappelle à
chaque instant que sa réalisatrice vient du documentaire, de la vraie vie. Hormis une séquence pré-générique qui, allez savoir pourquoi, sonne particulièrement faux, et le jeu souvent lourd des
deux stagiaires, le film laisse s’écouler le temps, passe par des phases de détentes ( le rituel des cloppes sur le balcon, la bouffe dans le coin cuisine ) et des moments de tension ( le jeune
reubeu qui veut savoir si sa copine est bien vierge, la femme enceinte d’un amant qui la harcèle et met en danger sa vie de famille ) avec une fluidité déconcertante.
Surtout, Claire Simon connaît les limites de l’outil filmique. Au lieu de
montrer par l’image ce type des cités lors de son entretien qui s’annonce très tendu, elle fait raconter le rendez vous par ses personnages. Afin de mieux montrer la complexité de certains
sujets, elle préfère le débat d’idées à la représentation. Simon sait que tout montrer est une utopie ( à la différence de Cantet qui, dans « Entre les murs », aborde tout au point de
survoler des questions cruciales comme le rejet de l’identité française ), et se refuse à faire l’apologie facile de travailleurs sociaux ( l’excellente scène où Marie Laforêt, ne trouvant pas de
veine dans l’avant bras d’une jeune noire, lui demande si elle la veut vraiment, cette pillule, ou encore le cours de sexualité de Michel Boujenah face à des adolescentes pouffant de rire, où il
garde une distance froide mais certainement nécessaire ). Totalement plongé dans un décors d’un réalisme bluffant ( à croire qu’ils ont investi un VRAI planning familial ), accompagné par une
musique jazzy dont l’improvisation rappelle celle, obligatoire, de ces femmes face à des situations difficiles, le spectateur ne sort pas plein d’une reconnaissance particulière pour cette
institution, et ce n’était certainement pas le but de Claire Simon. Non, il ressort avec l’impression d’avoir un peu plus compris, d’avoir partagé des moments vrais d’habitude inaccessibles. Film
important là encore, qui devrait donner lieu à des sorties scolaires, à des débats, tout comme « Dernier maquis ». J’me répète ? Ah ben tant que vous aurez pas vu ces deux
pépites…
Donc voilà. Positif prend le pas sur Mad Movies. Mon cerveau prend sa revanche, mes coronès, elles,
s’emmerdent grave. M’enfin, d’un autre côté, certaines bandes promettent de grands moments, comme le « Hunger » de Steve McQueen ( 26 novembre ), « My Magic » de Eric Khoo (
en salle depuis le 5 novembre ), et bien entendu le retour du génial James Gray avec une comédie sentimentale ( ?!? ), « Two Lovers » ( 19 novembre ), et du magnifique vétéran
Clint Eastwood avec « L’échange » ( 12 novembre ). De quoi prendre son pied d’une autre manière… Bah, va bien y avoir un truc de malade un de ces 4… Wolf Tone reste aux aguets, Wolf
Tone est patient…
Allemagne de l’Est. Avec ma chevelure toute fraîche et mes T-shirt Megadeth, je me pointe dans un pays dont je ne sais rien, si ce n’est l’habituelle présentation de nos
cours d’histoire-géo. Il y a une différence monumentale entre imaginé un pays communiste et y passer un mois. J’y ai visité une usine de métallurgie, et j’ai flippé rien qu’à l’idée que des gens
puissent y passer la plus grande partie de leur vie. J’y ai fait des courses en touriste et j’ai flippé devant tant de grisaille et un choix réduit à une peau de chagrin. J’ai passé plusieurs
heures dans le camp de Buchenwald, vu une trace sombre sur le sol que les GI avaient refusé de nettoyer, vu des traces d’ongles sur les murs de douches factices, et des abats jours en peau
humaine. Jambes flageolantes, dégoût, la totale. J’y ai croisé une jeunesse capable de se taper 200 bornes pour pouvoir acheter le dernier album d’Exodus sous le manteau, un mec de 10 ans mon
aîné qui était prêt à me filer ses bottes, sa ceinture cloutée et son vieux T shirt de Metallica pour avoir celui de Megadeth que je portais alors. Et en fin de séjour, notre guide / traductrice,
une jeune femme d’environ 25 ou 30 ans, nous apprend que sa grand mère est à l’ouest, qu’elle a peur de ne pas être là pour sa mort.
9 novembre 1989. J’suis pas plus au fait du monde, la
politique étrangère me gave, moi, ce que je veux, c’est headbanger comme un fou sur du trash-death-hardcore. Et j’apprend la nouvelle. Des gens qui crient leur joie, un mur qui se fait défoncer,
la liesse. Et allez donc savoir pourquoi, je me mets à chialer. Enfin, si, je sais pourquoi : parce que ce mec de 10 ans mon aîné va pouvoir aller tranquillement à Berlin acheter le « …
And justice for all » de Metallica, et que notre traductrice ( merde, c’était quoi déjà son prénom… Sophia ? Claudia ? ) serait certainement présente à l’enterrement de sa grand
mère.
majeure de la forme, mais envahit de plus en plus le fond. Dans la science fiction américaine des
années 50 / 60, ces fictions de la Guerre froide, servant de défoulement à un pays en proie à la peur des rouges (
Né en 1935 en Angleterre, Watkins est certainement
celui qui poussa le plus loin cette corrélation entre l’instant, la forme, et le fond ( profondément militant dans son cas ). Présenté par beaucoup comme étant un réalisateur expérimental, il
reste néanmoins un véritable maître dans l’art de manié l’image, à tel point qu’il fut certainement aussi le réalisateur qui eût le plus à souffrir de la censure. Dès 1964 et son premier film,
Watkins mélange le principe de reconstitution historique du docu-drama et celui du reportage de guerre. Aidé au scénario par l’historien – romancier John Prebble, Culloden montre la
bataille du même nom qui eut lieu le 16 avril 1746 dans les landes marécageuses d’Ecosse. La forme fait référence à World in Action, un journal d’actualité diffusé jusqu’au début des années 90,
utilisant des techniques du cinéma direct, avec caméra 16mm à l’épaule et prise de son en direct, mais Watkins y ajoute un anachronisme qu’il reprendra pour son monumental La Commune
réalisé pour Arte en 1999 : des interviews des protagonistes en plein cœur de l’action, filmés comme le furent les boys au Vietnam, à savoir en plan rapproché et légère plongée.
un faux documentaire dont la force réside au mélange quasi parfait entre fausses archives, fausses
interviews, immersions caméra à l’épaule dans des villes dévastées, longs plans fixes sur des victimes, ou des soldats tentant de faire régner un ordre pourtant inutiles… Malgré ses 44 ans d’âge,
le film garde une force évocatrice intacte. Force si perturbatrice que la BBC, sous la pression du gouvernement anglais ( plusieurs projections « secrètes » du film eurent lieu au
Cabinet du Premier Ministre de l’époque, Harold Wilson ) interdira sa projection non seulement sur le territoire anglais, mais aussi dans tous les pays du Monde durant 20 ans ! Faut pas les
faire chier, les inglish… Mais on arrête pas si facilement un chef d’œuvre : la presse nationale s’empare de l’incident après que Watkins lui eut donné tous les détails de l’interdiction,
plusieurs milliers de personnes se rassemblèrent lors de manifestations de soutien, et, cerise en or sur le gâteau international, le film gagna l’Oscar du… meilleur film documentaire en
1966 ! Watkins a tordu les codes de la fiction et du documentaire, dans un film d’anticipation sur une Histoire brûlante d’actualité…
Que reste t il aujourd’hui de « l’héritage » Watkins ? Pas grand chose
en fait… Le Death of a President de Gabriel Range, faux docu sur la mort d’un faux président et des répercussions possible, ou le méconnu Forgotten Silver de Peter Jackson,
imaginant une origine Néo-zélandaise au cinéma. Reste aussi une récupération par le cinéma d’horreur, toujours friand de nouveau moyen de filer la frousse ( voire la gerbe ) au monde entier.
Premier à mélanger faux docu à une fiction, Ruggero Deodato et son dantesquement Z Cannibal Holocaust sorti en 1980, et pour le plus connu, le petit coup de génie mercantile de Daniel
Myrick et Eduardo Sanchez, The Blair Witch Project. Mais pour le coup, on s’égare, là, on s’égare…
Reprenons nos esprits et rendons visite à un autre
anglo-saxon, un journaliste qui s’était spécialisé dans les mouvements séparatistes irlandais. Un gars qui reprit la même démarche que son illustre prédécesseur, tout en gommant une grande partie
de son aspect militant. Paul Greengrass réalise son 3ième film Bloody Sunday en 2002, reprenant la « caméra vérité » de Watkins, mais en jouant à fond la carte de la
reconstitution historique ( ce qui lui valut l’Ours d’Or à Berlin la même année ). Avec un James Nesbitt bluffant en Ivan Cooper ( dirigeant des droits civiques, et protestant du côté des
catholiques ), le film reprend aussi ce qui avait fait la force des films du Nouvel Hollywood, plus particulièrement
Je savais, en me levant ce vendredi 28 octobre, que ma vie allait changer, imperceptiblement,
prudemment, mais indéniablement changer. Dans mon sac à dos, après avoir bu mon cocktail quotidien de pastis / prozac au doux son de Sick of it all, j’ai glissé mon éternel Mad Movies aux côtés
du dernier numéros des « Cahiers du Cinéma ». Ainsi allait être la philosophie de Wolf Tone, dans ce mariage improbable entre mon cerveau d’intellectuel parisien et mes tripes de
guik’s. Et ce fut d’un pas décidé, après avoir bu un picon bière et mangé un kebab, que je pris une place pour le « Dernier Maquis » de Rabah Ameur-Zaimeche. Pour prendre le pouls d’un
ciné français qui, trop régulièrement, m’avait fait chier à en mourir… Et j’en ressortis heureux. Heureux de voir qu’un sujet aussi brûlant que la place de l’islam dans le monde du travail
pouvait être traité par chez nous sans démagogie à outrance, avec simplicité et humanité. Dans une mise en scène fluide, voire troublante ( beaucoup de plans nous montrent la valse incessante des
caristes au milieu de milliers de palettes rouges, sorte de chorégraphie sensuelle dans le cadre morose d’une zone industrielle, et parviennent à rendre beau le quotidien de bêtes de somme ),
Ameur-Zaimeche reste à hauteur d’homme, ne juge aucun des personnages, pose sa caméra et se filme en Mao, patron d’une PME qui décide de mettre à disposition de ces employés une mosquée afin
d’augmenter sa main mise sur eux.
Une fois mon ego surdimensionné abreuvé de flashs et de caméra, j’ai pu reprendre une vie normale, à
savoir regarder « La Momie 3 », sympathiquement sympathique pour les soirs de grande solitude, ou « Carlito’s way », aka « L’impasse » de Brian de Palma. Ah, le
dernier grand film de ce pourtant immense réalisateur… Sorti en 94, juste avant le début de la fin que fut « Mission : impossible » en 96, « Carlito’s Way », avec un
casting de ouf’ ( Al Pacino, Sean Penn, et un Viggo Mortensen improbable et déjà excellent ), contient une des scènes les plus tendues du slip du cinéma américain : Carlito Brigante / Al
Pacino accompagne à sa sortie de prison son jeune neveu à une transaction dans un bar pourrave. Carlito sent le piège, Brian de Palma nous tient par les coronès pendant presque 10 minutes, et
rappelle au monde entier que le Maître est vivant, avant de nous pondre son polar High-Tech sans âme. Depuis, le monde l’attend toujours, mais perds patience…
Film gentiment dénonciateur d’une politique américaine de plus en plus répressive à l’encontre de ses
immigrants, ce « Visiteur » est au singulier. Ca paraît débile comme précision, mais elle montre l’axe choisit par McCarthy : le véritable visiteur est Walter, qui sort de sa
réserve toute anglaise pour s’émanciper dans un univers où Fela remplace le classique, où le costard / cravate gêne pour faire de la zique, et où surtout, l’absence de green card est un enfer
assuré. Filmé presque entièrement autour du professeur, « The visitor » démarre donc très, TRES doucement, risquant de laisser de marbre le spectateur. Mais c’est ce qui rend si
touchant la lente ouverture au monde de Walter, et amère sa découverte des injustices d’un système qui bug depuis le 11/09. C’est aussi ce qui donne toute son importance à la musique. Autre
personnage à part entière du métrage, elle sert de pont, de thérapie à ces deux hommes qui ne se seraient jamais parlé sans elle. Fraîche, vivante, elle donne au film ses meilleurs moments, comme
ce concert dans Central Park, où Walter goûte pour la première fois à un laissé aller revigorant. Mais MacCarthy finit tout de même par nous livrer plus un conte pour adulte qu’un film politique.
Un peu à la manière du Ken Loach de « My name is Joe », il mélange amitié, amour et social, allégeant un propos lourd de sens par le choix de mettre définitivement au centre de son
intrigue un naïf qui ne connaît le monde qu’à travers ses livres. Choix qui frustre quand à la profondeur de son message social, mais qui apporte une grande tendresse. Erreur ? Il est peut
être préférable d’apporter du sentiment humain dans un contexte si froid. De plus, McCarthy est, lui, loin d’être aussi naïf : sa fin est logique, donc bouleversante. Et si le film avait été
plus rugueux, plus ancré dans la vérité, comment alors aurions nous pu avoir un plan final si fort et porteur d’espoir ? « The visitor » n’est peut être pas le meilleur des films
sociaux, mais il n’en demeure pas moi un excellent petit film débordant de vie et d’humanité.
Mais là, ça commence à faire un peu trop. Je
suis au bord de l’overdose. J’aspire à plus de finesse. Parce que à force, d’une part, de chroniquer tant de films décevants et creux, et d’autre part, de replonger ou découvrir des chefs d’œuvre
du 7ième art, j’éprouve de plus en plus de difficulté à trouver le même intérêt dans ces pellicules formater pour l’évasion. Mon dernier billet sur les sorties ciné d’octobre s’était
arrêté au mercredi 15. Hier est sorti le premier volet du diptyque sur Mesrine. Une énième biographie sur un destin exceptionnel, avec aux manettes Jean François Richet. L’attente, ici, peut être
plus logique. Cet homme a définitivement une approche politique du ciné ( « Etat des lieux » en 95, « Ma 6-T va crack-er » en 97, et sa relecture assez réussi du
« Assaut » de John Carpenter en 2004 ). Mais est ce pour autant que Richet parviendra à passer outre le simple portrait d’une gueule de l’Histoire française ? N’oubliez pas que je
me suis rematé le bijou de Arthur Penn, « Bonnie and Clyde », il y a très peu de temps. Non pas que je compare le funeste destin du gang Borrow avec celui, tout aussi passionnant, de
l’ennemi public n°1, mais je doute sérieusement que Richet arrivera à créer une aussi forte résonance, pourtant primordiale avec notre époque où la violence et le refus de l’ordre établi devient
une dangereuse banalité…
II » ( allez faire un tour sur mon compte
rendu d’avant première, moi j’peux plus, ça me fait trop mal… ), et le ttttrrrrèèèèssss attendu ( trop ? ) « Quantum of Solace », dernier né de la saga James Bond. Passionnant,
non ? A moins que vous ne préfériez le grand retour d’Oliver Stone avec un sujet so polémique, « W – L’improbable Président » ( au fait, c’est bien volontaire si je n’ai pas parlé
du « Being W. » de Karl Zero : ce mec porte de mieux en mieux son nom… ). C’est vrai qu’il faut en avoir une sacré paire pour tirer sur un mourant… Véritable fixette de Stone (
« JFK », « Nixon » et aujourd’hui Bush ), la fonction de président a été décortiquée, tordue, analysée et jetée à la baille par une masse impressionnante de cinéastes
ricains ( Altman et « Secret Honor », Otto Preminger et « Tempête à Washington », Frankenheimer avec « Sept jours en mai », voire même Kubrick et son Folamour… ).
Qu’espère donc Stone en dressant un portrait au vitriol d’un homme mort depuis longtemps politiquement ? Aidé Obama à atteindre Washington ? N’oubliez pas l’atroce « World Trade
Center » et son patriotisme mielleux fleurant bon l’opportunisme. Et hormis un « Tueurs nés » des plus tendancieux à mes yeux, et ces deux films sur le Vietnam (
« Platoon » et « Né un 4 juillet » ), Oliver Stone est un réalisateur sur-estimé, un très bon faiseur mais un auteur très moyen.
Peut être faisons nous fausse route. Peut être, plutôt que de coller aux basques des médias qui nous ont
vendu un maladroit réquisitoire ( « Entre les murs » de Cantet ) comme un chef d’œuvre de film social, il aurait fallu plus parler d’un « Silence de Lorna » des frères
Dardenne, ou du « Versailles » de Pierre Schoeller. Peut être faut il ne rien attendre de précis, aller voir des films sans trop d’espoir. Le « Phénomènes » de Shyamalan fut
une bouse d’autant plus atroce que j’y avais mis beaucoup d’attente. Et je me suis fait de nouveau avoir, lorsque j’espérais voir Meirelles remettre les pendules à l’heure avec son
« Blindness », qui s’avéra être tout aussi ampoulé et prétentieux, ce qui relève de l’exploit. Et si même ceux que je suis avec amour ( Del Toro et Gondry ) se mettent à tourner en rond
et à se contenter de recycler leurs propres filmographies, mierda, que faire ? Tenter